Wie Popmusik hohe Kunst umschließt

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Jay-Z ist ein bekannter Sammler des Straßenkünstlers Jean Michel Basquiat. Junge und Hund in einem Johnnypump, 1982

Von Stadien bis zu Galerien, die neue Grenze für den heutigen Mega-Popstar ist hohe Kunst. Massenpopularität hat ihre Reize - Verkäufe, Welttourneen, Legionen von Anhängern - aber die vermögensvermittelnde Kraft der Kunst ist heute das ultimative Zeichen für den eigenen Status innerhalb der westlichen Kultur.

Der Slogan von "Zeuge ich, der Künstler" ist das neue Mantra des Pop-Königtums - von Beyoncé, Jay-Z und Lady Gaga über Kanye bis hin zu Rihanna. Ist diese Umarmung der hohen Kunst dennoch ein feiernswertes Phänomen? Oder, könnte man es zynischer sehen, als ein Fall von Superstars, die Kunst benutzen, um ihrer Arbeit Glaubwürdigkeit zu verleihen, ungeachtet ihrer eigenen Massenanziehungskraft?

Zugegeben, es gab nie eine klare Trennlinie zwischen der Pop- und der Kunstwelt - und warum sollte es da sein? Einige der kreativsten Musiker der jüngsten Vergangenheit - David Bowie, Keith Richards, David Byrne, Brian Eno, um nur einige zu nennen - begannen mit dem Studium oder der Ausbildung in bildender Kunst.

In Australien trafen sich Mitglieder der 80-Band Mental as Anything an der Kunstschule in Sydney und Nick Cave studierte Malerei, bevor er seine Musik verfolgte. In jüngerer Zeit ist Sia, die Tochter von Adelaides Künstlerin und Kunstdozentin Leone Furler, für die riesigen Perücken, die ihr Gesicht bedecken, ihre bemerkenswerte Stimme und ihre kunstvollen Musikvideos mit verschiedenen Tanzkooperationen wiedererkennbar geworden.

Wir können auch nicht das Phänomen des Kunstfelsens übersehen, das in den sechziger Jahren aufkam. Einige der bemerkenswertesten Wendepunkte in der Musikgeschichte wurden in der Arbeit von The Beach Boys 'Pet Sounds (1966), The Beatles' Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967) und The Velvet Underground & Nicos gleichnamiges Album (1967) unter dem Einfluss von Andy Warhols New York Factory-Szene.


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Während das Konzeptalbum in den 70 Einzug hielt, erkannten die Pioniere des Musikvideos - Madonna, Michael Jackson und sogar Prince - die visuellen Möglichkeiten des Popsongs besser als viele ihrer Zeitgenossen. Ihre Arbeit hält für ihre Mischung aus kraftvoller Musik und bewegendem Storytelling durch Videos wie Like a Prayer, Thriller und When Doves Cry.

Aber heute ist die Geschichte anders. Ein Lied ist meistens nicht genug. Das soll nicht heißen, dass das Image alles ist, sondern dass der Anteil an der Pop-Welt von musikalischer und visueller Neuheit abhängt. Für die heutigen Pop-Leader bedeutet dies zunehmend, dass sie die Chefetagen von Marketing-Profis auf der Suche nach dem künstlerischen Underground vernachlässigen.

Kunst aus Limonade machen

Beyoncés High-Konzept visuelles Album Lemonadezum Beispiel nimmt der Zuhörer eine kühne neue Form des musikalischen Geschichtenerzählens im Stil von Prince's Purple Rain (1984), Michael Jacksons Moonwalker (1988) oder, vielleicht kürzlich Kanye Wests 35 Minutenfilm Runaway (2010) und Lana Del Reys Tropico (2013).

Seit Jahren versucht Beyoncé bewusst, sich ihrer Destiny's Child / Top 40 Persona zu entledigen. Limonade schafft das. Gleichermaßen hochkarätig und hochkarätig behandelt er die persönliche und politische Einsamkeit, die Schwesternschaft und die emotionalen Wunden der Untreue vor dem Hintergrund der heutigen amerikanischen Rasse.

Beyoncé, ein Teppich aus Gesang, Bildern und Schauplätzen, spielt den Überlebenden, eine Frau in Heilung, die versucht, sich mit den emotionalen Folgen einer falsch gelaufenen Liebe zu arrangieren. Mit filmischer Grandiosität schwimmt das Album in suggestiven Bildern der geheimnisvollen Kräfte der Natur (die gezeichnet haben) Vergleiche mit der Arbeit von Terrence Malick), und gesprochene Wort-Erzählungen, einschließlich die Poesie des in London lebenden, in Kenia geborenen somalischen Schriftstellers Warsan Shire.

Verweise auf hohe Kunst gibt es reichlich. Beyoncé berüchtigt Baseballschläger, der Sequenz ausübt in dem Lied Hold Up huldigt die Arbeit des Schweizer Künstlers Pipilotti Rist, dessen 1997-Videoinstallation Ever is Over All kennzeichnete eine Frau, die hinunter eine Straße geht, die Autofenster zertrümmert. Einige haben Beyoncé der Aneignung angeklagt, anstatt Huldigung.

Letztes Jahr wurden solche Bedenken über Drakes Video für Hotline Bling Das war den Lichtinstallationsstücken des amerikanischen Künstlers James Turell auffallend ähnlich.

Beyoncé arbeitete auch mit Der nigerianische Bildende Künstler Laolu Senbanjo, dessen heilige Körperbemalung Eigenschaften im Film.

Aufmerksame Instagram-Anhänger von Queen Bey werden unterdessen Anfang dieses Jahres Zeichen ihres zunehmenden Kontakts mit der Hochkunstwelt bemerkt haben. In Zusammenarbeit mit dem in der Schweiz geborenen Urs Fischer und Garage Magazin (Frühjahr / Sommer 2016 Edition), Bot Beyoncé ihre Gedanken über Kunst über die App des Magazins. Auf seinem Cover wurde sie mit Cornrows fotografiert, inmitten eines dicken Pastellwirbels von Fischer. Im Interview sprach sie über Andy Warhol und ihr Interesse an moderner Kunst und nannte einige ihrer Lieblingskünstler (Tracey Emin, Kara Walker, Aaron Young und Donald Judd).

Interessant an dieser neuen Periode von Beyoncés Arbeit ist, dass sie sich selbst als den Benjamin Button der Pop-Welt neu erfunden hat - anscheinend jünger, weniger bürgerlich und mit zunehmendem Alter trotziger.

Während die meisten sicherlich ihre neue, ermächtigte Stimme angenommen haben, fragen sich andere Fans jedoch, ob das weniger kompliziert ist, radiofreundliches Beyoncé werde jemals zurückkehren.

Gelber Basquiat in meiner Küchenecke

In seinem eigenen Appell für künstlerisches Credo auf seinem 2013-Album, Magna Carta, Holy Grail, treten Beyoncés Ehemann Jay Zs hyperkapitalistische Träume in den Vordergrund. In dem Lied Picasso Baby lässt Jay Namen Ikonen der Kunstwelt fallen (Rothko, Bacon, Basquiat etc.).

In Hommage an die amtierende Königin der Performance-Kunst, Marina Abramovic, adaptierte Jay ihre (2010) MoMA-Installation, Der Künstler ist anwesend - in dem sie sechs Tage die Woche saß, sieben Stunden am Tag auf einem Stuhl für eine "stille Oper".

Jay hat einen gemacht sechsstündige Aufführung von seinem Picasso Baby bei at Pace Gallery in NYC. In dem Video von Mark Romanek (der auch sein Video "99 Problems" gedreht hat und einer der Regisseure von Beyoncés Lemonade ist) rappt Jay einen Raum voller sorgfältig ausgewählter künstlerischer und kultureller Führer, von Schauspieler und Regisseur Judd Apatow an Filmemacher Jim Jarmusch an den Künstler Andreas Serrano an Abramovic selbst.

Sowohl Jay-Z als auch Abramovic hatten gute Beziehungen, bis in ein Interview mit dem Spike-Magazin, Sie beschuldigte Jay, sein Ende des Geschäfts nicht zu erreichen - nämlich eine beträchtliche Spende für ihr neues Marina Abramovic Institut für Performance Art im Bundesstaat New York. Die gegenseitig konstruierte Abmachung wurde umgesetzt ein unangenehmes Debakel für beide Lager. (Jay-Zs Leute bestätigten später, dass tatsächlich eine Spende gemacht worden war und Abramovic entschuldigte sich für die Aufsicht.)

Was ist einzigartig (aber etwas vorhersehbar) über Jay's Feier der Kunstwelt ist, wie er darüber fantasiert. Picasso Baby ist weniger Hommage an die große Kunst um der Kunst willen, mehr Ehrfurcht vor der rücksichtslosen Beute des "guten" Lebens. Kunst wird als Zeichen kultureller Macht und extremen Reichtums verehrt:

Gelber Basquiat in meiner Küchenecke
Mach weiter, leg dich auf den Scheiß Blau, du besitzt es.

Während einige argumentieren könnten, dass Picasso Baby ein "Einstiegshit" ist, der jüngere Fans in die Kunstgeschichte einführt, wird der Song nie wirklich als etwas anderes als "Konsumkunst konsumiert" bezeichnet, wie ein NPR-Kommentator nahelegte.

Wir sind nicht weit weg von 19th Jahrhundert britischen Kulturkritiker Matthew Arnolds Beobachtungen über den Elitismus der Hochkultur. Es wird geschätzt, schrieb er, aus,

schiere Eitelkeit oder sonst wie ein Motor der sozialen oder Klassenunterscheidung, der seinen Halter wie ein Abzeichen oder Titel trennt, von anderen Leuten, die es nicht haben.

Von Queen Bey nach Rhi Rhi

Vor kurzem hat Barbados bad-girl Rihanna sich auch in das Kunstspiel geworfen. Bei ihren jüngsten Bemühungen, Anti (2016), gibt es zahlreiche Kunstpartnerschaften: Der in Israel geborene Künstler Roy Nachum und Dichter Chloe Mitchell arbeitete an den Liner Notes, und es gab genug Produzenten und Autoren, um ihre eigene Fußballmannschaft zu besetzen.

Albumcover für Anti (2016).

Die Leadsingle Work wurde mit Spannung erwartet und war letztendlich ein Kopfzerbrecher. Ihr Streicheln mit Drake in dem Video des Songs war erwartungsgemäß sexy, verfehlte aber das fieberhafte Geheimnis, das die sehr mächtige Antigone / Ödipal-Halluzination von das Cover Kunst. (Auf dem Album hält eine junge Rihanna - Augen, die von einer Krone bedeckt sind, die zu groß für ihren Kopf ist - einen Ballon und wird von einem blutroten Fleck erstickt, den sie nicht sehen kann).

Mit Liedern wie Woo und Work gibt es eine eklatante Trennung zwischen der Musik und den Bildern. Wohl scheint Rhianna in Kunstgewässern weit über ihrem Kopf zu schwimmen und sie nicht zu befriedigen Top 40-Fan-Basis entweder.

Dennoch, das kürzlich veröffentlichte Video für Neeeded Me, (Regie: Indie Art Renegade Harmony Korine) hat ein Frühjahr Leistungsschalter erfüllt Scarface trifft auf das dokumentarische Gefühl von Viceland in Miami und macht Korine zum perfekten Komplize für Rihannas nihilistische Wende. Mit einer einfachen, aber teuflisch dunklen Geschichte spielt Rihanna die elegante, wilde Mörderin und kümmert sich nur so um ihr Geschäft.

Pablo macht Picasso

hohe art3 10 6Kanye West tanzt während seiner Präsentation seiner Modekollektion während der 2016 New York Fashion Week, die auch eine hörende Party für sein "The Life of Pablo" -Album war. REUTERS / Andrew Kelly

Dann ist da Kanye. Die unerträglichen "Think" -Spiele auf seinem neuesten Album, The Life of Pablo (2016), die Twitter-Kernschmelze und Ego-Manie haben ein Höchstmaß an Dezibel erreicht, aber es ist zu beachten, dass Kanye als ehemaliger Kunststudent das "Kind" verkörpert Neugierde ", wie ihn der deutsche Philosoph Friedrich Nietzsche in vielen seine Aphorismen über Kunst und Schöpfung.

In Interviews scheint es, dass er seine Träume nicht schnell genug auf Papier - oder in die Fabrik - bringen kann. Er hat auch vorgeschlagen, dass die Gemälde von Picasso, Matisse seine Arbeit inspiriert haben. In einem 2013-Interview Hinter Kanyes Maske Mit der New York Times spricht er über seine Liebe zur Architekturgeschichte und bezeichnet sich selbst als "Minimalist im Körper eines Rappers".

Wests Art Idols sind eine einzigartige Mischung aus europäischen und amerikanischen Künstlern / Innovatoren (Walt Disney, Steve Jobs, George Condo, Pablo Picasso, Marco Brambilla, Vanessa Beecroft, um nur einige zu nennen) und nicht zu vergessen seine Zusammenarbeit mit dem japanischen Künstler Takashi Murakami während seiner Graduierungsperiode).

Für eine kürzliche Zusammenarbeit mit dem Filmemacher Steve McQueen öffnete sich West um seine Arbeit in erster Linie als Kunst gesehen haben, Hinzufügen:

Ich würde alle meine Grammys - oder vielleicht zwei Grammys - in einen Kunstkontext eintauschen.

Für sein neues Album arbeitete er mit relativ unbekannten zusammen Belgischer Künstler Peter de Potter für das Cover Kunst. Wests künstlerische Einflüsse, Modegeschmack (Givenchy, Balmain, Raf Simons) und Designinteressen (The Daily Mail traf ihn Anfang dieses Monats von einem Treffen mit IKEA in Schweden), schlagen einen Entdeckergeist und einen Sinn für echtes kreatives Experimentieren vor.

Vanessa Beecroft, eine von Wests Kollaborateuren für seine jüngsten Mode- / Performance-Stücke (die Adidas Yeezus Modeschauen, die Yeezus-Touren und einige Art Basel-Projekte), hat positiv von der künstlerische Freiheit, die er bei ihren Projekten zulässt. In der Tat wurde die amerikanische Mode durch seinen Straßenstil wiederbelebt. Bedenke die Wochenlange Aufstellung außerhalb irgendeines Ladens, der neue Ausgaben seiner Schuhe Adidas Yeezus freigibt.

Wests unermüdliche Suche nach künstlerischer Perfektion und neuen Formen des visuellen Ausdrucks ist ein willkommener Weckruf in der zunehmend blasierten Welt des High-Art- und Mainstream-Rap. Auch wenn er über anale Bleiche und "ruhm-durstige" New Yorker Modelle rappt, hat seine Besessenheit, hoch-künstlerische Legitimität zu erlangen, einige der interessantesten Fusionen von Kunst, Mode und Musik in den letzten Jahren hervorgebracht.

Als Koons sich traf, traf Gaga Botticelli

Natürlich wäre es unmöglich, aktuelle Pop / High-Art-Kollaborationen zu diskutieren, ohne Lady Gagas unterbewertete 2013-Veröffentlichung ARTPOP zu erwähnen. Die Cover-Kunst des Albums zeigte eine prominente Kollaboration mit Jeff Koons, mit gebrochenen Stücken von Botticellis Die Geburt der Venus (1484-6) in den Hintergrund gespleißt.

hohe art4 10 6Albumcover für ARTPOP (2013).

In Interviews scheint sich Gaga über künstlerische Prozesse und Einflüsse stark zu artikulieren.

Sie zitiert Rilkes Briefe an einen jungen Dichter als Hauptquelle der künstlerischen Inspiration und hat ein Zitat von ihm über die Notwendigkeit, Kunst auf ihren oberen linken Unterarm zu tätowieren. Mit ARTPOP war es ihre Absicht Brücke die Welt von Pop und Kunst in einer Weise, die die Massenkultur noch nie zuvor gesehen hat.

Ihre kraftvollen und einzigartigen Songs, wie Artpop und Venus, verwirklichten das Ziel. Die Verkäufe waren jedoch glanzlos. Kritiker haben sie gefragt "Art game" war so stark wie ihre Marketingfähigkeitenmit einigen allzu wörtlichen Liedern wie "Donatella" und "Fashion".

Erbe Gebäude

Künstlerisches Erbe ist eindeutig Pops neues Schlagwort. Dennoch sollten die Popstars von heute vielleicht Aristoteles Beachtung schenken, dessen Beobachtungen über den Prozess des künstlerischen Schaffens immer noch wahr sind. "Das Ziel der Kunst", schrieb er, "soll nicht die äußere Erscheinung der Dinge darstellen, sondern ihre innere Bedeutung".

Die Geschichte lehrt uns, dass viele künstlerische Experimente gedeihen und verblassen. Die wahren Künstler unserer Zeit (unabhängig vom Medium) schaffen Werke, die mit der Komplexität der menschlichen Seele in einer Weise verbunden sind, wie es der krasse Materialismus und die Personalisierung nicht können.

Keine künstlerische Referenzierung oder Pointierung wird die originelle, inspirierte und seelsuchende Arbeit ersetzen.

Über den Autor

Das GesprächBlair McDonald, Dozent für Journalismus, Kommunikation und neue Medien, Thompson Rivers University

Dieser Artikel wurde ursprünglich veröffentlicht am Das Gespräch.. Lies das Original Artikel.

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