Janis Joplin hatte eine kraftvolle und befehlende Stimme. AP Photo
Janis Joplin starb vor 50 Jahren am 4. Oktober 1970 im Alter von nur 27 Jahren, aber ihre Lieder reichen über die Zeit hinaus. Ihr anhaltender Einfluss und ihre Popularität sind auf ihre rohen, unverfälschten, furchtlosen Leistungen zurückzuführen.
Wir reagieren auf Sänger, die Emotionen wie Schmerz, Angst und Befreiung ausdrücken können. Joplin gab uns alle in Pik, geliefert mit einer kraftvollen, ungehemmten, kratzigen Stimme.
Beeinflusst von Künstlern wie Bessie Smith, Otis Redding, Billie Holiday, Ray Charles, Tina Turner und Aretha Franklin beherrschte sie Blues-Styling, Phraseologie und Melodie. Sie wurde in die aufgenommen Rock and Roll Hall of Fame 1995 und wählte Nummer 28 in Rolling Stone's größte Sänger aller Zeiten .
Aber wenn wir einen Sänger wie Joplin hören, der etwas tief in uns bewegt, was passiert dann tatsächlich?
Kommando über ihre Stimme
Das Ursprünge der Musik wurzeln im emotionalen Ausdruck der menschlichen Stimme. Ausdrucksstarke musikalische Darbietungen wurden gezeigt aktivieren die emotionalen Zentren unseres Gehirns.
Joplin hatte eine kraftvolle und befehlende Stimme. Bei ihren Live-Auftritten war sie konzentriert und hemmungslos und zeigte eine breite Palette unverwechselbarer Vokal-Timbres gepaart mit einem schnellen Vibrato. Mit ihrem Drei-Oktaven-Bereich benutzte sie krächzende Knurren, Heulen und Schreien, um rohe Emotionen auszudrücken.
Rocksingen verwendet oft eine reiche Bruststimme, die viel Körperlichkeit und Energie erfordert. Blues- und Rocksänger könnten auch eine eingeschränkte Qualität in ihre Stimmen einbeziehen: den Kehlkopf straffen und den Luftdruck manipulieren, mit dem sie singen.
Joplins Stimme war beschrieben als eine Verzerrung und Kante, eine Mischung aus Rauschen und Ton.
Dies zeigt sich vielleicht am besten in ihrem Lied von 1968 Stück meines Herzens. Dieser verengte Klang vermittelt direkt Intensität - er ist sehr aufregend, erzeugt aber auch Spannung. Diese Verengung erreicht einen Höhepunkt in der Zeile „Du weißt, dass du es hast“: Sie improvisiert die Melodie, ändert die Phrasierung so, dass sie Blues-Licks enthält, und schreit dann vor dem letzten Refrain.
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Diese Verwendung der Verengung beim Singen birgt eine Vielzahl von Herausforderungen und erheblichen Risiken, die sich auf die Kontrolle der Sänger auswirken. Das Publikum ist jedoch begeistert von der Risikobereitschaft von Hochseilartisten. Hier dient Joplins Technik der Kommunikation von Emotionen, die gleichzeitig aufregend und verheerend ist.
Die tiefsten Gefühle
In der Aufführung war Joplin gleichzeitig verletzlich und furchtlos, sehnte sich danach, sich zu befreien, Grenzen zu überschreiten und bereit, ihr authentisches Selbst zu offenbaren. Sie entschuldigte sich nicht.
Während Joplin nicht die Protestlieder ihrer Zeitgenossen wie sang Bob Dylan und Phil OchsIn ihrem Gesichtsausdruck, ihrer Wahl des Repertoires und der Art und Weise, wie sie sich weigerte, mit einer damals von Frauen akzeptierten „hübschen“ Stimme zu singen, zeigt sich ein Gefühl des Protests.
Als ihre Biografin Alice Echols sagte:
Janis war in gewisser Weise der große, nicht anerkannte Protestsänger der 1960er Jahre. Nein, Janis sang keine expliziten Protestlieder. Aber in ihrer Stimme hörten die Leute jemanden, der den Status quo ablehnte.
Joplins letzte aufgenommene Arbeit, posthum veröffentlicht als Pearlzeigt die ständige Entwicklung ihres Stimmgebrauchs. Ihre Stimme wurde verfeinert und zeigt immer noch mutige und rohe Momente. Hier ist sie kontrollierter, ohne Ausdrucksverlust.
Die Eröffnung von Schrei Baby Joplin singt zwei Noten gleichzeitig in einem verengten Ton und spielt dann laut den Refrain aus. Sie reduziert dann die Lautstärke und erklärt leise ihren Verrat in den Versen.
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Es gibt klare Einflüsse in ihrer Verwendung von Ruf und Antwort aus der Gospelmusik, insbesondere in der Originalaufnahme und den Gesangsstilen von Granat Mimms.
Diese Verfeinerung ist auch in einer ihrer letzten gefilmten Performances sichtbar. Auf Das ist Tom Jones 1969 verwandelte sie den berührenden Jazzstandard Little Girl Blue in ein Rhythmus- und Blues-Epos.
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Es ist erbaulich, ihre Leistung mit Auftritten desselben Liedes einiger ihrer Einflüsse, Nina Simone und Nancy Wilson, zu vergleichen. Simones Lieferung auf Klavier und Stimme sind ausdrucksstark und unterstreichen eine raffinierte Musikalität mit subtilen Verzierungen der Melodie. Wilsons Version bietet rhythmische Präzision gepaart mit üppiger Orchestrierung.
Im Gegensatz dazu bietet Joplins Ansatz eine Änderung des Rhythmus und des Tempos während des gesamten Songs, wobei regelmäßig Phrasen erweitert und lang gehaltene Noten gesungen werden, die stark mit kiesigen Sehnsuchtsrufen und Stimmumdrehungen, Wendungen und Klangfarben verziert sind.
Joplin zeichnet sich als Sänger mit großem Einfluss aus. Sie war bereit, die tiefsten menschlichen Gefühle auszudrücken - Gefühle, die in der westlichen Gesellschaft weder leicht erlaubt noch zum Ausdruck gebracht wurden. Sie gab ihrem Publikum ein stellvertretendes Verständnis für ihre Gefühle, ein Verständnis, das bis heute anhält.
Über den Autor
Leigh Carriage, Dozent für Musik, Southern Cross Universität
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